1826-2026, UNA STORIA LUNGA DUE SECOLI – 8° PUNTATA: La grande stagione del documentarismo fotografico – a cura di Lorenzo Ranzato
Saggistica Di Cult - Storia e pensiero sulla fotografia.
I molteplici linguaggi della fotografia documentaria americana
La fotografia documentaria trova le sue radici negli Stati Uniti, affermandosi nel corso degli anni ’30 come una delle forme d’arte visiva più influenti del XX secolo. Nel suo testo Lo stile documentario in fotografia Oliver Lugon dedica molto spazio a ricercare i caratteri peculiari della nuova estetica documentaria (2008, pp.136-284), che il lettore interessato potrà approfondire grazie ai link e ai riferimenti bibliografici: il rispetto delle specificità del medium fotografico, la metafora della chiarezza, la nitidezza basata sulla “ricchezza di dettagli”, la serialità che presuppone a monte l’idea di un progetto, una tendenza verso “l’anonimato”, che possiamo ritrovare ad esempio negli scatti di Walker Evans e nella sua concezione delle composizioni inconsapevoli.
Una delle più fedeli interpreti del linguaggio documentario è Berenice Abbott. Dopo aver lavorato a Parigi come assistente di Man Ray e aver acquistato a Parigi una buona parte dell’archivio del maestro Eugène Atget, ritorna a New York nel 1929. Negli anni compresi tra il 1935 e il 1939, elabora il suo celebre progetto Changing New York (Hacking, 2023, p.291, pp.294-5) che documenta le trasformazioni urbanistiche e architettoniche della città, unendo la precisione documentaria a composizioni geometriche audaci e catturando il contrasto stridente tra i vecchi edifici ottocenteschi e i grattacieli moderni che modificheranno radicalmente il volto della futura metropoli.
Cfr. NYPL Digital Collections, Changing New York:
https://digitalcollections.nypl.org/collections/812e5770-c60c-012f-7167-58d385a7bc34
A Walker Evans, il teorico dello “stile documentario” e uno fra i più influenti fotografi del Novecento dedicheremo uno dei prossimi articoli. Durante la sua lunga carriera ha interpretato in modo esemplare le rapide trasformazioni sociali ed economiche degli Stati Uniti, fotografando l’ambiente rurale e i mezzadri del profondo Sud, l’architettura vernacolare, il paesaggio delle periferie urbane con le facciate dei negozi, i cartelloni pubblicitari e la segnaletica stradale, sino agli spazi cupi e angusti della metropolitana di New York con il progetto Subway Portraits (1938–1941).
Nel campo del “documentarismo sociale” il progetto più significativo è quello della Farm Security Administration (FSA), creato nell’ambito del New Deal, un programma di riforme economiche e sociali voluto dal presidente Roosevelt. Con la crisi del 1929 uno dei settori più colpiti è quello agricolo e la FSA, guidata dall’economista Roy Stryker, per documentare le dure condizioni di vita dei lavoratori incarica nel 1937 alcuni importanti fotografi del calibro di Walker Evans, Dorothea Lange, Gordon Parks, Ben Shahn e Arthur Rothstein. Grazie a questo progetto vengono prodotte alcune delle fotografie più celebri del Novecento, che hanno avuto il merito di fissare e tramandare il ricordo di un’America ormai sparita, dando voce a chi in quel periodo non ne aveva (Walther, 2016, pp.27-37).
Cfr. NYPL Digital Collections, Farm Security Administration Photographs:
https://digitalcollections.nypl.org/collections/e5462600-c5d9-012f-a6a3-58d385a7bc34
Nell’ambito del reportage fotografico, che si afferma negli anni ’30 con la nascita delle riviste illustrate (Fortune, Look, Life), va senza dubbio segnalata la nascita dell’Agenzia Magnum Photos, fondata nel 1947 da Robert Capa, Henri Cartier-Bresson, David Seymour e George Rodger (Chéroux, 2017). Ma in questa sede vogliamo ricordare la figura di Margaret Bourke-White, soprannominata dagli amici “l’indistruttibile Maggie”. Trasferitasi a New York nel 1929, mantiene un proprio studio per lavori industriali e di corporate fino al 1936 quando inizia una prestigiosa carriera di fotoreporter per la rivista illustrata Life. È stata “una donna di primati”: la prima ad arrampicarsi sulle colate di ferro delle fonderie e ad affrontare il calore delle fornaci…la prima ad affrontare la fotografia aerea con sprezzo del pericolo…la prima a realizzare assieme a suo marito Erskine Cadwell un libro sulla Grande Depressione degli anni ’30 negli USA…la prima a documentare l’Unione Sovietica del Piano Quinquennale e a fotografare Stalin…la prima a riprendere l’orrore del campo di concentramento di Buchenwald…e ancora la prima a testimoniare l’India nel momento di separazione dal Pakistan…e a ritrarre Gandhi poco prima della sua morte…a scendere sottoterra con i minatori in Sudafrica…e a fotografare la segregazione razziale nel Sud degli USA…Infine, la prima a non sottrarsi alla macchina fotografica, diventando a sua volta il soggetto di un reportage che ha documentato la sua lotta contro il Parkinson (Mauro, 2021, p.10).
Una delle sue fotografie più famose è At the time of the Louisville Flood, pubblicata sulla copertina di Life e considerata per la sua forza comunicativa una delle più iconiche immagini della storia della fotografia. Appartiene al reportage sulla tragedia dell’esondazione del fiume Ohio che ha provocato più di 400 vittime e lasciato senza casa migliaia di famiglie. Ma lo scatto non rappresenta il disastro naturale, bensì il drammatico contrasto fra il mondo dei bianchi e la vita quotidiana degli afro-americani, diventando così la metafora dell’ingiustizia sociale, ancor più esasperata dalle parole dello slogan: “Il più alto standard di vita al mondo. Non c’è altro stile di vita che quella americano”.
Infine, per completare la rapida carrellata, è necessario ricordare la fondamentale Mostra New Documents (1967), curata da John Szarkowski al Museum of Modern Art (MoMA) di New York, che trasformerà radicalmente la consolidata estetica documentaria, con le opere di tre autori allora poco noti: Diane Arbus, Lee Friedlander, Garry Winogrand. Come ha scritto Szarkowski nella sua relazione dell’epoca, l’obiettivo di questa nuova generazione di fotografi non era quello di “modificare la vita” o fare critica sociale, ma semplicemente di “conoscerla”. Influenzati dall’idea di fotografia di Robert Frank (The Americans, 1959), intesa come “un’azione riflessiva che privilegiava l’istinto, le emozioni e la soggettività dell’artista” (Hacking, 2023, p.368), i tre autori trasformarono il linguaggio documentario in una forma di espressione puramente personale e artistica.
https://www.moma.org/calendar/exhibitions/3487?installation_image_index=0
La fotografia documentaria europea
Eugène Atget è considerato il precursore del documentarismo europeo e dopo la sua morte nel 1927 viene consacrato come uno dei più influenti fotografi della prima età moderna. Dal 1889 al 1924 ha documentato in modo sistematico la vecchia Parigi che si stava trasformando in una metropoli moderna, “manifestando fin dall’inizio l’ambizione di creare una collezione di tutto ciò che vi è di artistico a Parigi e nei dintorni” (Gautrand, 2016, p.19). Si considera un fotografo commerciale, tanto che nel 1890 espone fuori dal suo laboratorio una piccola targa con la scritta “Documenti per artisti”. Con il suo apparecchio a soffietto 18×24, ha percorso in modo sistematico le strade di Parigi, fotografando le sue architetture, i suoi negozi e le vetrine con inquietanti manichini, suscitando l’interesse di fotografi come Man Ray e Brassaï.
Il riconoscimento artistico di questa vasta collezione documentaristica è soprattutto postumo, grazie all’iniziativa della Abbott che dopo l’acquisto sistematizza la collezione di negativi, stampe e album (oggi custodita al MoMa) e nel 1930 pubblica il primo libro di 96 fotografie, Eugène Atget Photographe de Paris.
In Europa è August Sander a svolgere un ruolo determinante nel campo della fotografia documentaria, elaborando all’inizio degli anni ‘20 un grande progetto enciclopedico, Uomini del XX secolo (Lugon, 2008, pp.71-78). Grazie a questo colossale lavoro, che non verrà mai pubblicato interamente, diventa famoso soprattutto tra i critici e gli intellettuali. Nel 1929 Sander riesce a pubblicare il libro Antlitz der Zeit (Volti di un’epoca), con un’interessante prefazione del romanziere Alfred Döblin, dove propone 60 immaginimeticolosamente scelte dall’archivio che stava costruendo. Un vasto “atlante fisiognomico” (Bate, 2018, pp.99) di tipi umani suddivisi per categorie: il mondo contadino, famiglie operaie o piccolo-borghesi, membri delle istituzioni e delle professioni e dell’alta borghesia, intellettuali e artisti per concludere con ritratti di persone che stanno ai margini della società. Non va trascurato uno degli elementi essenziali del linguaggio fotografico di Sander: la veduta frontale che verrà imitata da altri fotografi. Gli scatti frontali contribuiscono a modificare la relazione fra fotografo e soggetto, con la ridefinizione stessa del concetto di ritratto fotografico, dove il modello viene invitato “a prendere in mano il proprio ritratto”, mettendosi in posa come fosse di fronte a uno specchio (Lugon, 2008, pp.172-177), negando quei caratteri di spontaneità e immediatezza rintracciabili in molti filoni della fotografia documentaria sociale e umanista.
Cfr.: https://www.moma.org/artists/5145-august-sander
La fotografia umanista nasce all’interno del milieu fotografico della Parigi degli anni ’30, dove un nutrito gruppo di fotografi condivide un comune interesse per l’uomo e le sue vicende di vita quotidiana. Tra i molti, oltre a Henri Cartier Bresson, ci limitiamo a ricordare Brassaï, Robert Doisneau, Willy Ronis, Izis, Édouard Boubat, ai quali è dedicato il Catalogo La photographie humaniste, 1945-1968.
Particolarmente attenti alla vita di Parigi, hanno in comune un grande amore per la città e per le sue strade che diventano il principale teatro dei loro scatti, e raccontano un’umanità autentica costituita da gente comune, lavoratori con le loro famiglie, bambini vivaci e giocosi o coppie di innamorati…
Soprattutto a partire dalla fine della Seconda Guerra Mondiale la fotografia umanista trasmette al mondo “une certaine idée de la France”, diventando a cavallo degli anni ’50 e ’60 la principale espressione della fotografia documentaria postbellica. Dagli anni ’50, il movimento umanista inizia ad avere un seguito anche al di fuori della Francia come reazione al dramma della seconda guerra mondiale, e si afferma nel resto del mondo come linguaggio universale accessibile a tutti. Il movimento raggiunge il suo apice con la Mostra The Family of Man, organizzata da Edward Steichen al MoMa di New York nel 1955: costituita da 503 fotografie provenienti da 68 paesi diversi, ben presto assume una risonanza planetaria e nel 2003 viene inserita nel Registro della Memoria del Mondo dell’UNESCO.
Dal Catalogo The Family of Man
Approccio rappresentativo vs. approccio interpretativo
Infine, concludiamo riportando l’importante ragionamento di David Bate sulle due diverse tendenze della fotografia documentaria: tendenze che sul piano tecnico “privilegiano differenti usi della macchina fotografica, dell’inquadratura e del punto di vista” (2017, p.74) e consentono di individuare due distinte modalità di linguaggio che si relazionano con la realtà in modo oggettivo o soggettivo, ovvero in termini di rappresentazione o interpretazione del reale (2017, p.83).
Nell’approccio rappresentativo avremo un tipo di fotografia in terza persona o descrittiva quando il fotografo tende a porre un filtro tra sé e il soggetto ripreso, mantenendosi in una posizione “neutrale”, senza farsi coinvolgere all’interno della scena ripresa: un tipo di fotografia comune ad autori quali Eugène Atget e August Sander o ai fotografi del Gruppo f/64 quali Ansel Adams ed Edward Weston.
Diversamente, nell’approccio interpretativo la fotografia in prima persona o espressiva non pone barriere tra fotografo e referente, anzi vuole entrare dentro le cose che desidera raccontare, cercando di coinvolgere lo spettatore nella narrazione, pubblica o privata che sia. Questa tendenza è riconoscibile ad esempio nelle immagini dei fotografi della FSA e nelle istantanee del reportage fotografico, espresse con intensità diverse da autori quali Henri Cartier Bresson, Margaret Bourke-White e Robert Capa, il più famoso reporter di guerra; così come è rintracciabile negli scatti di Robert Frank, precursore dell’emergente filone della street photography che racconterà l’eterogenea umanità della metropoli americana e della sua provincia.
Lorenzo Ranzato AFIAP, BFI
Riferimenti bibliografici:
Bate D. (2017), Il primo libro di fotografia (ed. orig. Photography. The Key Concepts, 2016), Einaudi;
Beaumont-Maillet L. e Denoyelle F. (a cura di) (2006), La photographie humaniste, 1945-1968. Autour d’Izis, Boubat, Brassaï, Doisneau, Ronis…(Catalogo della Mostra), Biblioteque Nationale de France;
Chéroux C. (a cura di) (2017), Magnum Manifesto, Contrasto;
Gautrand J. C. (a cura di) (2016), Eugène Atget. Paris, Taschen;
Hacking J. (a cura di) (2023), Fotografia la storia completa, Atlante;
Lugon O. (2008), Lo stile documentario in fotografia, Electa;
Mauro A. (a cura di) (2021), Prima, donna. Margaret Bourke-White (Catalogo della Mostra), Contrasto;
Walther P. (a cura di) (2016), New Deal Photography. USA 1935–1943, Taschen.
